En este artículo completo he querido plasmar todo lo que debes saber sobre la Composición en fotografía desde la experiencia de décadas de formación pionera y de la formulación de muchos conceptos que fueron novedosos y que hoy son utilizados por diversos formadores, no siempre de forma adecuada.

Cuando comencé a estudiar composición desde la bibliografía existente ya percibí la carencia de contenidos de calidad, de su aplicación práctica en fotografía y, sobre todo, de una adecuada organización del conocimiento.

El conjunto de conocimientos sobre Composición es una materia extensa y compleja, de conceptos que provienen desde el Arte Clásico, que no se basan en reglas simples y que te permitirán plasmar la tu intención, que te expreses con plenitud y consciencia desde la estética que deseas conseguir.

Mi primera y más importante recomendación es que no te conformes con aprender mediante trucos y consejos, ya que tienen fecha de caducidad y no tardarán en defraudarte o, lo que es peor, empobrecerán tu propia mirada. Tanto el afán de copiar a otro artista como el de aprender de forma rápida y rígida me temo que no te permitirán un adecuado desarrollo de tu propia estética, no contribuyen a la seguridad de tu conciencia artística y suele quedar una sensación de no haber construido con solidez tu formación.

La organización de estos contenidos provienen de un método propio ya plasmado en el proyecto Un año de fotografía, que ha sido un referente con millones de visualizaciones y que marcó el hito de ser el primer proyecto formativo de su género: online, completo y gratuito. El libro Composición en fotografía, el lenguaje del Arte ha sido un referente para fotógrafos y formadores, una guía rigurosa, extensa y completa en el mundo del estudio de la composición.

Al ser una materia tan amplia te iré proponiendo diversos enlaces para que puedas ir ampliando la información sobre alguno de los conceptos que aquí se abordan. Estos enlaces se verán actualizados y ampliados frecuentemente, así que te pido que guardes este artículo entre tus favoritos para que pueda ser tu Guía para el estudio de la composición.

La composición es la forma de estructurar una imagen, de lograr una adecuada distribución de los elementos en el encuadre según la expresión que desea alcanzar el artista visual. Para ello resulta de la máxima importancia aprender a  encontrar el punto óptimo de observación de una escena, aquel que nos permite la mejor experiencia visual para plasmar la estética que buscamos.

Comprender la composición te permitirá incrementar el impacto visual de tus imágenes, lograr una estética más acorde con tus intenciones expresivas.

“La composición es la forma más impactante de ver”,  Edward Weston.

Seguramente te habrá sucedido que regresas de una salida a fotografiar el paisaje y cuando revisas tus imágenes descubres que no lograste captar toda la belleza del lugar. Se produce una frustración con los resultados.

Los estudios sobre la materia te ayudarán a reconocer con precisión cuál es el punto óptimo de observación del paisaje, aquel que te permite obtener una experiencia perceptiva plena, donde cada elemento ocupa su lugar acorde con la estética que buscas. Las imágenes obtenidas transmiten la sensación de que son la máxima expresión estética del lugar, que no hay un mejor lugar desde el que observarlo.

Un ejemplo de Aedes arquitectónico lo tenemos en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, en valencia. En este lugar tenemos diversos hitos de relevancia. Número y singularidad de los hitos dan valor a un Aedes. En Ellis Island, Nueva York, solo tenemos a la Estatua de la Libertad como hito arquitectónico, como sucede también en el entorno de la Torre Eiffel en París. Disponer de varios hitos en un solo Aedes supone un incremento en su interés.

A grandes rasgos, pasamos por tres etapas básicas en nuestra evolución en la fotografía. No siempre suceden en este orden, especialmente cuando aprendemos sin un método que vaya consolidando una base lógica y sólida de la información que vamos recibiendo.

Cada una de estas etapas nos trae unas temáticas de aprendizaje y unos conceptos asociados:

• FASE DOCUMENTAL. Basada en la técnica, en el realismo que logramos captar con la cámara como instrumento para transmitir o salvaguardar información.
• FASE ESTÉTICA. Una vez superada la fase técnica o lo que precisamos de ella para empezar sobreviene el deseo de que la estética de nuestras imágenes sea la que deseamos. Muchas veces descubrimos que las imágenes de otro fotógrafo que visitó el mismo lugar nos gustan más que nuestros propios resultados.
• FASE AVANZADA. Una vez que logramos que nuestras fotografías tengan la estética deseada suele comenzar esta fase en la que se impone el deseo de transmitir emociones, estados de ánimo, sensaciones… Afrontamos proyectos más complejos, también conceptos más evolucionados y queremos que nuestras imágenes conecten con el espectador.

La composición nos permite incrementar el impacto visual de una imagen, desde nuestra propia estética. Especialmente en escenas con profusión de elementos, la composición nos permitirá encontrar el punto de vista óptimo, aquel que nos permitirá encontrar una adecuada distribución de los elementos en el encuadre según nuestra intención.

Lamento ser el portador de malas noticias, pues una de mis citas más repetidas es: no existen las reglas en el Arte. No hay nada que debas hacer siempre en fotografía y si aprendes con sencillas reglas, después descubrirás cómo han empobrecido tus imágenes.

Ningún artista visual, ya sea dibujante, escultor… aprende con reglas. Sin embargo se han popularizado en fotografía y lo único que logran es que muchas personas hagan siempre lo mismo y sacrifiquen su original visión sobre la estética de las imágenes.

Aprender a hacer siempre lo mismo es un camino erróneo, pues en el Arte no exite “lo bueno” o “lo malo”, ni “lo que debes hacer” o “lo que debes evitar”.

No todas la imágenes tienen nivelado el horizonte ni todas lo tienen desnivelado, no todas las imágenes cumplen la proporción de tercios, ni todas la incumplen, no todas buscan el orden, ni el caos… El Arte es la expresión del artista, que debe conocer su lenguaje y utilizarlo en función de lo que desea transmitir. Es por ello que no existen las reglas, son conocimientos para saber cuándo y cómo debemos aplicarlos.

Esta etapa suele surgir cuando ya se dominan los aspectos técnicos que vamos a necesitar. Nuestras imágenes ya tienen un acabado técnico adecuado a nuestros propósitos pero ahora queremos avanzar, puesto que percibimos que nuestras fotografías son mejorables desde el punto de vista estético.

Se alcanza una cierta objetividad que comienza a plasmarse en resultados cuya estética nos satisface, una gran alegría, un gran paso. Avanzamos en composición, exploramos la abstracción, descubrimos los elementos y la importancia de sus combinaciones.

Hacia el final de esta fase pueden aparecer algunas crisis cuando descubrimos que tenemos un gran dominio de la estética y nos hemos convertido en coleccionistas de amaneceres, de lugares, de luces, de composiciones.

El coleccionismo de imágenes simplemente bellas suele ser una fase muy extendida en el tiempo, seguimos haciendo lo que nos gusta y que jamás pensamos en los inicios que íbamos a lograr. La satisfacción que supone ver recompensado el esfuerzo en potenciar el impacto estético de nuestras obras es tan plena, que nos cuesta evolucionar a una fase superior más avanzada.

Mi propuesta en nuestra andadura compositiva es empezar por conocer los elementos de la sintaxis visual, el alfabeto que nos permitirá construir imágenes con sentido. Estos conocimientos provienen del Arte Clásico y de avances propios.

Algunos conceptos y teorías ya propuestas, admitidas por la comunidad y replicadas en muchos artículos online y otros que pronto verán la luz, en un constante avance de novedosas propuestas.

El conocimiento de los elementos de la Sintaxis Visual es fundamental para aprender a expresarnos a nivel estético. Son once conceptos que debemos comprender, conocer su esencia, su utilidad en una imagen.

Podemos aprender a identificarlos en las escenas, a familiarizarnos con su tratamiento en la imagen mediante el aislamiento de cada uno de ellos, para proseguir con las combinaciones ineludibles al plasmar el mundo real.

Entre los procesos de máxima importancia en el estudio de los elementos están:

• Identificar los elementos presentes en la escena.
• Tratar de utilizarlos según su esencia e intención compositiva.
• El conocimiento profundo de los elementos te llevará con rapidez y seguridad al punto de vista óptimo de observación.
• Allí se encuentra el orden que buscas, una imagen eficaz.
• Serás más consciente de la estética de tu imagen, ganarás objetividad.
• Si no logras ver los elementos, debes esforzarte en fomentar el conocimiento de la abstracción, de aprender a reconocer la esencia de lo que estás viendo, qué es en síntesis cada componente de tu imagen.
• La composición te permite afrontar imágenes en ausencia de valores clásicos de luz o de color.
• La textura será solo parte de la imagen, ya sea en su parte inferior, donde la sentimos más próxima, o bien en la superior, donde funcionará en un plano teóricamente más alejado.

Es la unidad más simple de la comunicación visual. Puede ser una forma más o menos circular o bien una forma oblonga a menor tamaño en la imagen.

El punto tiene un gran poder de atracción, es un marcador de espacio, una referencia. Sirve para equilibrar, una de sus principales aplicaciones prácticas es que ayuda a obtener equilibrio.

En el estudio del punto te recomiendo que abordes el concepto que publiqué hace algún tiempo sobre los puntos óptimos de anclaje. Son áreas aproximadas que muestran zonas preferentes para colocar sujetos o formas en un encuadre.

Son un importante complemento a los conocidos como puntos de interés. En mi opinión son más eficaces, ofrecen encuadres más cerrados en proporciones, evitan la propuesta de reencuadre. Su uso supone delimitar la distancia de una forma con el borde del encuadre para que no cree un punto de salida de la imagen y resulte más centrípeta en su recorrido visual.

Esquema de colocación posible de uno o varios puntos o elementos en un encuadre, los círculos negros se ubican en los puntos clásicos de interés, mientras que los rojos determinan los puntos óptimos de anclaje, las zonas aproximadas donde colocar un punto o una forma. En la fotografía de ejemplo vemos la aplicación práctica de un punto óptimo de anclaje en la ubicación del ave.

Se define como una sucesión de puntos tan próximos entre sí que no pueden ser reconocidos de forma individual o también como un punto en movimiento.

La línea es dinámica, cargada de energía, pide que la direccionemos. Su vocación en una escena es conducirnos, llevarnos hacia algún elemento. Tiene una gran expresividad cuando conecta con su origen, ya que entonces la línea define a nuestro siguiente elemento, el contorno.

La línea cerrada define un contorno. Los contornos básicos son el cuadrado, el círculo y el triángulo, cada uno con sus atributos perceptivos. Al cuadrado se asocian significados de torpeza, honestidad, rectitud y esmero. El círculo simboliza la infinitud, la calidez y la protección y es la base de la Armonía. El triángulo tiene connotaciones de acción, conflicto y tensión, simboliza la relación con lo sobrenatural.

Los contornos básicos expresan direcciones visuales básicas. El cuadrado define la vertical y la horizontal: los ejes que pueden estructurar una imagen. De los lados de el triángulo obtenemos la dirección diagonal, las líneas oblicuas. El círculo expresa la curva.

La referencia horizontal-vertical es la base de nuestro equilibrio. Por eso los ejes que estructuran la imagen son: Horizontal y Vertical. La presencia de ejes puede indicar una carga muy realista en una imagen. El eje vertical está determinado por el elemento que domina la jerarquía vertical de la imagen, aquel que está ubicado en la parte superior de la misma, el más elevado.

La dirección diagonal tiene una gran relevancia con relación a la estabilidad, ya que es la formulación opuesta. Es la fuerza direccional más inestable, la más dinámica y provocadora. Su significado es amenazador y por tanto tiene un gran impacto visual.

El tono es el representante de algunas cualidades la luz en términos compositivos, ya que la luz en si misma no es un elemento pero puede afectar a varios de ellos, como son el color o el volumen.

La luz no se refleja por igual en las superficies, aunque llegue a ellas de forma uniforme. Estas variaciones, los tonos, nos ayudan a percibir la relación de las formas entre sí y con el espacio. El contraste tonal que captamos en una escena depende directamente de factores como la calidad de la luz, mientras que su volumen o relieve dependen de su dirección.

El color es un elemento muy expresivo y emocional. Su tratamiento debe adecuarse al mensaje y la estética de la imagen, reforzándolos. Normalmente se aplica al final del proceso compositivo.

El color se puede aplicar buscando una dominante en la imagen, una combinación de matices o bien encontrando el balance adecuado para respetar al máximo la diversidad de color en la escena.

Es importante conocer los colores primarios, que tienen una gran expresividad: los matices amarillo, rojo y azul. También nos interesa conocer cómo se caracteriza un color en función a su matiz o familia (verdes, azules…), su grado de saturación (un color pastel tiene muy escasa presencia de gris mientras que en un color saturado abunda) y su luminosidad, es decir la claro que es un azul celeste frente a un azul marino, por ejemplo.

Hay colores expansivos y contractivos en una gradación que depende de su peso visual. El rojo es un color con gran actividad emocional y peso visual, seguido por el naranja, mientras que azules y verdes son más ligeros hasta llegar al amarillo.

Las texturas reales muestran la composición de la materia. Es un elemento visual pero despierta también sensaciones táctiles. En fotografía también podemos plasmar texturas visuales, aquellas disposiciones de elementos basadas en la regularidad, la repetición, la cadencia, que tienen una gran musicalidad en su estética.

Mi forma de clasificar las texturas es dividirlas en patrones y mosaicos. Un patrón se basa en una distribución formulable por matemática euclidiana, una repetición de un elemento con pequeñas variaciones de forma o tamaño. El mosaico es un tipo de textura visual basado en la matemática fractal, un orden que predomina en la naturaleza mientras que el patrón es más propio de obras del ser humano.

Entre mis formas de enseñar a fotografiar una textura están:

• Respetada o completa. Plasmamos la textura visual sin interrupciones, en una zona homogénea que llene nuestro encuadre sin interrupción.
• Rota, interrumpida. Introducimos un elemento que altere el ritmo de la textura, su uniformidad. Podemos elegir una parte de la escena donde se produzca esta interrupción o bien provocarla mediante la colocación de un elemento que no estaba allí.
• Como elemento, ocupando un plano de la imagen. La textura será solo parte de la imagen, ya sea en su parte inferior, donde la sentimos más próxima, o bien en la superior, donde funcionará en un plano teóricamente más alejado.

Textura visual, una repetición de formas con pequeñas variaciones de tamaño con una cadencia y uniformidad típicas de este elemento.

La escala es la definición de un tamaño relativo mediante una comparación, de una referencia. Nos permite manipular el espacio en las representaciones gráficas y artísticas. La referencia más empleada para obtener una escala ha sido la figura humana, pero servirá cualquier sujeto cuyo tamaño podamos inferir. 

Es un elemento muy ligado al concepto de proporciones, al establecimiento de un baremo comparativo. Así logramos agrandar lo pequeño y empequeñecer lo grande mediante diversas técnicas como el uso de las focales, la distancia al sujeto la comparación de tamaños…

En la realidad los volúmenes tienen tres dimensiones. Sin embargo, en la representación gráfica pasan a ser bidimensionales. Vamos a buscar plasmar la sensación de distancia, de profundidad, de lejanía. Para ello podemos utilizar diversas técnicas y focales.

El uso de focales como el angular permiten combinar distancias muy próximas con las muy lejanas y pueden representar muy bien el espacio y la dimensión.

Las focales largas también logran representar la dimensión pero con más condicionantes, ya que comprimen la perspectiva.

Las técnicas y recursos que nos permiten captar una mayor o menor dimensión son:

• LA PERSPECTIVA LINEAL. Nos permite representar la distancia mediante las líneas paralelas que tienden a converger en un punto de fuga en la distancia.
• LA PERSPECTIVA ATMOSFÉRICA. Basada en las partículas en suspensión de la atmósfera. Está basada en la percepción de que en la distancia: el contraste y la definición decrecen, los tonos se aclaran y se visualiza una mayor dominante de color.
• EL ORDEN Y PESO DE LOS COLORES. Si ubicamos delante los colores más pesados transmiten mayor estabilidad y separación de planos hacia la lejanía donde encontramos colores de menor peso visual.
• EL TONO. La luz lateral crea una diferencia tonal entre superficies cóncavas y convexas. La distribución de luces y sombras visualiza el relieve, el volumen.
• DESENFOQUE DEL FONDO. Nuestra percepción interpreta un fondo desenfocado como un plano más distante, que la profundidad de campo no logra cubrir.
• ESCALA Y PROPORCIONES. El uso de este elemento ayuda a percibir mayor o menor distancia con respecto a un sujeto presente en la escena.
• RELACIÓN DE DISTANCIA. Mediante el uso de angulares podemos establecer una notable relación entre un plano próximo, que está a pocos centímetros de nosotros y un plano alejado en el fondo a muchos metros de distancia.
• JERARQUÍA VERTICAL. La ubicación de los elementos en el encuadre también nos ayuda a percibir distancia, de forma que identificamos la parte de abajo de la imagen como un plano próximo y la parte superior como un plano más alejado, aunque haya algunas excepciones.

Este elemento visual está presente en todas las imágenes de una forma implícita, pues hace referencia a la forma en que recorremos la imagen explorando su contenido. Es una de las fuerzas visuales con mayor predominio en nuestra percepción. La sugestión del movimientos está implícita en todo lo que vemos, el ojo recorre incansablemente el entorno.

Depende mucho del ajuste de una velocidad de obturación adecuada, por tanto este elemento tiene una notable dependencia de aspectos técnicos, como son los valores de exposición.

• MOVIMIENTO DETENIDO. Captamos un movimiento de forma estática, detenemos un instante que el ojo no suele ser capaz de apreciar.
• MOVIMIENTO INDUCIDO. Movemos la cámara y creamos en una escena estática un movimiento, ya sea vertical, diagonal, de sacudida… Si el movimiento acompaña al movimiento de un sujeto en la escena se denomina “efecto de Barrido”.
• MOVIMIENTO DE UN SUJETO. Plasmamos la borrosidad del movimiento de un elemento sin mover la cámara.

El concepto de espacio fue considerado como un elemento de la composición por artistas del Renacimiento y como tal debiéramos tratarlo en la actualidad. Frecuentemente es ignorado o mal interpretado por los formadores occidentales debido, sobre todo, a su complejidad y a una forma pragmática de abordar el concepto.

La percepción del espacio positivo y negativo es fundamental para empezar a comprender el espacio. El espacio se puede estructurar en muchas formas, pero quizá sea más adecuado comenzar con las simetrías de luces y sombras.

Algunas personas perciben mejor las formas en las luces y su espacio positivo será el blanco. Otras personas perciben mejor en las sombras y sus límites con las luces. Aunque la percepción puede ser entrenada tenemos un patrón preferido y denominaremos positivo aquel en el que percibimos antes  y negativo aquel en el que percibimos después.

Ante todo debemos comprender que el espacio es una entidad en sí mismo, un vacío en relación con el resto de elementos en el encuadre, un silencio, una oportunidad latente, un tránsito hacia ser completado y albergar un cambio.

Muchos pintores comprendieron mejor el concepto mediante el estudio del arte oriental, desde autores como Hiroshige y Hokushai. Una buena forma de comenzar es mediante los haikus tradicionales, lienzos o pergaminos de papel de arroz que pueden recoger una mezcla de artes basadas en un poema que lo inicia y al que puede añadirse un dibujo, una caligrafía o incluso varios hasta que la percepción del espacio transmite sensación de completado.

En nuestra cultura tendemos a completar el espacio, a que se vea lleno y aprovechado. Sin embargo, su concepto va más allá y busca una mayor consciencia del papel que juega el espacio, tanto ocupado como desocupado en el equilibrio de una imagen.

En oriente hay diversos términos en relación al espacio, que tienden a refleja la relación entre el vacío y la creatividad, el respeto al tránsito del vacío, representado tanto el cielo como los espacios llenos de energía que aguardan a la creatividad para alcanzar la plenitud.

El estudio de los elementos de la sintaxis visual es un excelente comienzo en el aprendizaje de la composición. Son once conceptos que debemos interiorizar para saber utilizarlos según su esencia y la estética que buscamos. En este ejemplo vemos un ejercicio de línea en relación a la forma.

Este concepto propio con el que se han formado miles de personas en composición nos permite agrupar un conjunto de virtudes compositivas, los principales factores que son responsables del impacto estético de una imagen. Nos permiten analizar nuestros punto débiles e imprecisiones compositivas. Nos ayudarán en la obtención de objetividad y en los procesos de autocrítica. Además constituyen un excelente protocolo de comentario de imágenes.

Si la imagen capta un momento especial, inusual y extremo, transmitirá la sensación de ser una imagen más o menos irrepetible. Hay momentos de luz, de meteorología, de interacción en un comportamiento, etc.

El momento se valora por su intensidad y rareza, desde los más frecuentes y cotidianos, aquellos que vemos a diario, hasta los que suponen una oportunidad en nuestra vida. Cuanto más sensación transmita un momento de ser único e irrepetible, mayor impacto tendrá la obra siempre que esté respaldada por una estética adecuada.

Ante dos imágenes de similar impacto visual solemos elegir la que transmite un mensaje más transcendental. Los mensajes son universales, por tanto es importante la forma de abordarlo y la relevancia del mismo. Si tenemos que elegir entre un mensaje banal y otro de mayor transcendencia solemos elegir el de mayor importancia e impacto.

El mensaje es algo que podemos obviar si no estamos familiarizados con su presencia en las obras, ya que muchas son propuestas estéticas, formulaciones en las que predomina la belleza de la escena y no hay un contenido claro, un mensaje. Otras obras abordan mensajes muy superficiales, carentes de interés para muchas personas, de ahí la modulación que debemos lograr entre banalidad y trascedentalidad.

Detectamos de forma inmediata e inconsciente si una imagen está equilibrada, si los pesos visuales y los espacios están repartidos. No se debe confundir el equilibrio con la fuerza de expresión de la armonía, que tiene más componentes.

El equilibrio es una fuerza de expresión primaria responsable de buena parte del impacto visual de la imagen. Si una imagen transmite equilibrio ya es aceptada como una imagen agradable. En las propuestas de equilibrio podemos elegir esquemas de equilibrio simétrico o asimétrico.

Viene determinada por la presencia y la posición de los ejes en la imagen, crea un sentido primario de las proporciones y un esquema básico de la imagen. Los ejes son líneas maestras que permiten hacerse una idea muy sintetizada del aspecto de la misma.

Una imagen puede tener uno o varios ejes horizontales, también verticales, carecer de alguno de ellos o carecer de ejes. Este último caso nos indica que la imagen tendrá una mayor carga abstracta. La presencia de un eje horizontal y otro vertical es el característico de imágenes muy realistas.

Es la posición que ocupan los elementos en el encuadre, su distribución en el espacio. Para lograr un determinado orden espacial que transmita serenidad o bien caos, serán relevantes factores como el número de elementos y su disposición.

Resulta de la máxima importancia el posicionamiento de la cámara en el caso de una escena, la elección cuidadosa del punto de toma al que anteriormente he definido como punto de vista óptimo, en el sentido que nos permite transmitir o reforzar la sensación que buscamos.

En el caso de un bodegón también dependerá de la colocación de los elementos. En ambos casos se puede transmitir al espectador esa intencionalidad, esa precisión para lograr nuestra propuesta visual.

Este es otro concepto propio formulado hace más de una década. Se trata de la plena consciencia de los márgenes del encuadre y de aquellos elementos que quedan cortados o a determinada distancia de su borde. 

Tiene mucho que ver con el sentido de las proporciones y con el recorrido visual en la imagen, que busca ser centrípeto (de recorrido hacia su interior) cuando los elementos están dentro del encuadre o no muy próximos al mismo y no hay elementos cortados en los márgenes. Así logramos que toda la atención se dirija hacia el interior de la escena, sin crear fuertes puntos de salida. 

En un recorrido centrífugo hay elementos muy próximos al borde de la imagen o incluso cortados, mostrados parcialmente e interrumpidos. En este caso se refuerza una sensación de misterio, de desconocimiento ante algo que no podemos percibir, como si algo importante sucediera fuera de nuestro encuadre. 

Podemos aplicar este concepto de puntos de corte también al reencuadrar una imagen. En el caso de escenas con valores de simetría puede aplicarse el mostrar la mitad de la forma y permitir imaginar el resto idéntico que no se muestra en el encuadre.

Es un concepto de gran importancia que debemos desarrollar, podríamos decir que es la cantidad de equilibrio que logramos en la imagen mediante el posicionamiento por una parte de los ejes y por otra de la distancia de los elementos hasta el margen del encuadre. La proporción que elijamos afecta al tratamiento del espacio y del equilibrio que plasme la obra. 

Cada tipo de escena y situación puede requerir de una proporción idónea para mostrar el espacio en función del interés que tenga para tu intencionalidad. Elegir una proporción para un eje horizontal, con mucho cielo o mucho primer plano debe estar justificado. Igualmente se aplica a la distancia que separa a un elemento del borde del encuadre.

En una imagen podemos encontrar dos o más ejes, uno solo o ninguno. La ausencia de ejes es síntoma de un mayor contenido abstracto. En este caso vemos el eje vertical y el horizontal, las líneas que definen la estructura de la imagen.

Este concepto aborda el reparto de los tonos en la escena, la posible predominancia de un tono, la ubicación del tono más claro, la relación tonal entre un posible sujeto y un fondo…

El esquema tonal es el uso que hacemos del elemento llamado tono en nuestra composición a fin de lograr una expresión más precisa y reforzada.

La estructura de los tonos en una imagen puede permitir resaltar a un sujeto, así como también crear una imagen más sencilla o más compleja de percibir. Por lo general, se busca el adecuado grado de contraste para mostrar claramente al sujeto o bien la confusión tonal cuando queremos que pase más desapercibido al primer vistazo para el espectador.

¿Qué son las claves tonales? Son esquemas de los tonos dominantes en una imagen. Permiten identificar la distribución de los tonos y el predominio de algunos de ellos para determinar la expresión de la imagen.

Todas las imágenes poseen una clave tonal (alta, baja o media), sin excepción, pero son las claves de los extremos (bajas y altas) las que, en general, poseen mayor nivel de expresividad. Las claves mayores definen imágenes con valores tonales extremos, es decir, con presencia de tonos blancos y negros, mientras que las menores no contienen estos tonos extremos sino valores de grises más o menos luminosos.

Si quieres ampliar tus conocimientos sobre las claves tonales, su aplicación, cómo conseguirlas, así como conceptos muy ligados a ellas y novedosos, como el acento o la clave bitonal extrema te dejo aquí el enlace. (Enlace a claves tonales)

El color ya lo abordamos en el apartado de elementos de la sintaxis visual pero en este caso lo que evaluamos o percibimos es su adecuación a la estética y al mensaje de la imagen.

El conocimiento del color, aplicado a la transmisión de emociones nos permite reforzar la intención, de forma que si la imagen plantea una atmósfera de misterio, el color nos ayudará a potenciarla, dentro de la subjetividad cultural que puede tener este elemento.

Otro concepto de interés en la percepción y en nuestras composiciones es la influencia del adyacente, cómo los colores que rodean a uno determinado afectan a su percepción.

Este concepto resume aportaciones del autor de la imagen, es un valor muy personal y subjetivo que puede lograrse mediante el tratamiento de la imagen, la expresividad de un sujeto, la aplicación de un recurso de la narrativa visual, el nivel de expresión utilizado, la aplicación de la propia subjetividad, la simplicidad…

Las fuerzas de expresión abordan las formulaciones y combinaciones de los elementos entre sí para obtener impacto visual. Han sido objeto de estudio desde la publicidad y el marketing para captar la atención del espectador. 

Las más empleadas se basan en la distorsión, la repetición, una determinada combinación de elementos, o el tratamiento del espacio.

Son fuerzas opuestas que permiten alcanzar unos valores puros o combinados de ambas que afectarán de forma fundamental a la estética de la imagen. La prevalencia de la armonía o el contraste es una de las primeras decisiones compositivas que se deben considerar a la hora de concebir una imagen o una serie. 

El concepto de armonía procede del Arte Clásico y se define como:  “La máxima expresión de la belleza”. Forman parte de sus atributos: la esfericidad o redondez, la unidad, la simetría, el equilibrio, la simplicidad, así como un tratamiento de luz suave y colores pastel. 

Esta fuerza de expresión está especialmente indicada para plasmar la belleza o la ternura. Es una fuerza de expresión sutil. 

El contraste es la fuerza de expresión que predomina en la actualidad. Se define como: “La provocación y la exageración”. Forman parte de sus atributos: la angulación, la profusión, la asimetría, la exageración, el descentramiento, así como un tratamiento de alto contraste tonal y colores saturados. 

Genera imágenes con impacto directo, llamativas, llenas de color, de información, de dinamismo. Es una fuerza de expresión evidente.

Es una percepción de gran importancia en el impacto visual de una imagen. Es subconsciente, holístico e instantáneo. Se transmite mediante el reparto de los pesos visuales, el orden de elementos, el tratamiento del espacio… 

Puede ser simétrico o asimétrico y hay muchas formas de plasmar el equilibrio desde diversos elementos. 

Es un responsable primario de que una imagen nos parezca agradable y la aceptemos como bella. No se debe confundir con la armonía, es un componente obligado en la Armonía (equilibrio simétrico) y puede estar presente o no en el contraste.

Es una de las fuerzas de expresión más importantes que se basa en la subjetividad y en la deformación de los contornos y las formas. Está por tanto muy ligada al nivel de expresión abstracto. 

Algunos autores clásicos como André Kerstez y muchos autores modernos la han utilizado extensamente. 

Se obtiene mediante diversas técnicas, como la trepidación de la imagen a baja velocidad de obturación, pero también en el nivel de expresión realista: fotografiando a través de telas, de vidrios sucios, reflejos en espejos, en agua, en metales… filtrando la realidad a través de un elemento traslúcido o bien reflejándola en una superficie que la distorsiona.

Busca transmitir una sensación muy subjetiva, la soledad. Es un tratamiento basado en el concepto de Espacio. 

Un único sujeto aparece a pequeño tamaño sobre un fondo que debe ser homogéneo y neutro, sin otros elementos que puedan distraer la atención o relacionarse con él. 

Se disocia al sujeto de cualquier otro elemento en el encuadre y de esta forma se evita cualquier tipo de intención de diálogo visual: el sujeto actúa como una isla en el espacio. 

Al tener que emplazar una forma pequeña sobre un fondo regular conviene tener presente el concepto de Puntos Óptimos de Anclaje.

Es una fuerza de expresión muy utilizada en pintura. Se basa en la expansión de una o varias líneas. La irradiación está cargada de movimiento, contiene un gran dinamismo y la fuerza emocional de formas básicas como el triángulo o la espiral. 

En disposición triangular son líneas que se transmiten desde un punto o desde otra línea, normalmente de mayor grosor. Por tanto su carga simbológica es la del triángulo, la relación con lo sobrenatural. 

En distribución espiral es una o varias líneas curvas que fluyen en forma concéntrica o en evolución como un halo o en espiral para representar la infinitud, la inmortalidad, el cosmos.

Es una fuerza de expresión muy utilizada en publicidad. Se basa en la ruptura de un patrón regular, que puede ser por una variación de tamaño, de forma, de color, de posición, de movimiento… 

Esta basada en una repetición de elementos que se discontinúa. Es una formulación de contraste muy evidente, que se detecta muy rápido. 

La anomalía está muy relacionada con la textura, con la salvedad de que no es solo una textura rota, sino que la ruptura está ocasionada por la variación de uno de sus componentes que altera la uniformidad. 

Existen otras fuerzas de expresión como la tensión, la dominación, el agrupamiento… que serán materia de un próximo artículo enlazado y que puedes consultar en mi libro “Composición en Fotografía. El Lenguaje del Arte”.

La distorsión de la imagen es una fuerza de expresión muy utilizada para transmitir subjetividad e irrealidad. Esta imagen busca una estética pictórica y para conseguirla se ha utilizado la borrosidad de movimiento, la trepidación con una baja velocidad de obturación que ha distorsionado la realidad.

Los recursos de la Narrativa Visual resultan esenciales para comunicar y expresar diversos mensajes de una forma atractiva o sorprendente para el espectador. Hay un gran número de recursos, que son conceptos empleados en la comunicación visual, por lo que conviene abordar el estudio de aquellos que nos resulten de mayor interés para plasmar nuestra obra. 

Vamos a definir algunos de estos recursos:

Denominamos como Aedes a aquellos lugares que albergan uno o varios elementos únicos y de gran valor, denominados hitos, por tanto un Aedes es el entorno de un hito. Puede tratarse de Aedes históricos, geográficos, arquitectónicos, literarios… En las artes plásticas tienen especial importancia aquellos cuyos valores primarios son visuales, como sucede con aquellos Aedes que albergan un hito paisajístico, arquitectónico o botánico, por ejemplo. Acá puedes leer más sobre la Teoría de los Aedes.

Enlaza muy directamente con la importancia del hito visual, aquellos elementos icónicos de gran importancia por su gran carga de belleza paisajística, por su singularidad.

Un Aedes geográfico es un paraje en el que hay uno o varios hitos paisajísticos naturales (rocas, meandros, islotes…). En el caso de un Aedes arquitectónico el hito estará construido por el ser humano (faros, catedrales, castillos…). Un Aedes botánico puede albergar rarezas vegetales por su escasez, tamaño, forma, importancia histórica, edad… Una de las virtudes de estos tipos de Aedes es el elevado grado de belleza paisajística que proporciona la presencia de al menos un hito, otra no menos importante es la de permitir la identificación del lugar para quienes conocen el hito, ya que estos son únicos, irrepetibles en la Naturaleza.

La importancia del Aedes es tan elevada como la del hito, pues es el entorno el que permite o no plasmar el hito de determinada forma según la expresión del autor y puede ser un factor altamente limitante. Hay lugares con numerosos hitos visuales de gran peculiaridad que no pueden ser plasmados adecuadamente a causa de que el Aedes no lo permite. Un entorno abrupto con escasas posibilidades de observación puede que únicamente permita unos pocos puntos de observación desde los que los hitos se superponen o no muestran su potencial estético.

En su acepción geográfica Aedes definiría una parte del paisaje, un paraje, un rincón, un espacio que tiene como principal característica albergar uno o varios hitos paisajísticos. Es un nuevo concepto surgido desde las artes visuales para remarcar el impacto visual de los hitos en composición y que supone una categoría dentro del vasto término de paisaje.

Representación de una idea abstracta mediante formas humanas, de animales o de objetos. Pretende ilustrar con una imagen aquel concepto que no la tiene, que pueda representarlo. Ha sido muy utilizada en la antigüedad como recurso propiamente visual. Se conocen ejemplos en el Egipto faraónico o en la Antigua Grecia.

Hace referencia a una imagen de interpretación abierta, que puede entenderse de varias formas. El autor deja su obra para ser entendida a criterio del espectador para que decida la interpretación de la escena. La obra representa varios significados posibles, no es una propuesta cerrada y normalmente no tendrá título o será inconexo con la obra.

Es similar a la metáfora por cuanto que relaciona a dos sujetos que tienen atributos en común, pero en este caso ambos elementos deben aparecer en la misma imagen. Hay una semejanza entre dos elementos a cualquier nivel visual que permite apreciar similitudes sin implicar ningún grado de abstracción conceptual, ya que es muy evidente.

Es similar a la metáfora por cuanto que relaciona a dos sujetos que tienen atributos en común, pero en este caso ambos elementos deben aparecer en la misma imagen. Hay una semejanza entre dos elementos a cualquier nivel visual que permite apreciar similitudes sin implicar ningún grado de abstracción conceptual, ya que es muy evidente.

Un objeto recuerda a otro completamente diferente pero con el que comparte algún atributo común. Esta similitud requiere de cierta abstracción conceptual, no es completamente evidente y unas personas la pueden apreciar con mayor facilidad que otras. Alguna cualidad de un objeto se encuentra también en el otro y los relaciona aunque uno no esté presente en la imagen. Aparece un elemento que pierde su identidad para recordarnos a otro totalmente diferente. Las formas que evocan a objetos distintos del representado crean sorpresa visual y son valiosos recursos a emplear.

Reconocimiento de rostros o caras en los perfiles de las rocas o huecos de los árboles.

Sinécdoque. Una parte representa al todo, un objeto representa toda la actividad que lo rodea y de la que forma parte. Una zapatilla de ballet desgastada nos transmite mucha información sobre la exigencia de la práctica de este arte, incluso lo representa. 

Encontrarás en este enlace un artículo preliminar específico que aborda centenares de conceptos ordenados alfabéticamente y que supone el aporte más completo a nivel internacional, aunque todavía tiene que ser revisado, matizado y actualizado. (Enlace)

La narrativa visual nos proporciona muchos recursos para utilizar en el contenido de una imagen, ya sea en la transmisión de mensajes o en su estética. La metáfora visual nos ha permitido, mediante un detalle vegetal fotografiado con un óptica macro, sugerir una forma femenina.

Hay otras materias avanzadas en Composición que nos permiten adquirir un conocimiento más profundo, un nivel más avanzado, que incluso nos capacita para ser formadores o jueces en certámenes de fotografía o de artes plásticas en general, ya que la composición se aplica a todas ellas. Completar estas etapas supone alcanzar un conocimiento que nos permite comprender la estética de las obras, la intencionalidad del artista, lo que sabe y lo que siente. 

Vamos a conocer algunas de estas materias:

• LENGUAJES EN LA IMAGEN. Abordamos los dos lenguajes en los que es posible expresar una imagen, el compositivo, basado en la intencionalidad de crear una estética adecuada de forma consciente y el fotográfico, cuyo principal valor y justificación es el momento, sin que haya una intención compositiva. Existe también la expresión que mezcla ambos lenguajes en una imagen.
• NIVELES DE EXPRESIÓN. Cuando realizamos una imagen podemos expresarnos en tres niveles de expresión según nuestra intencionalidad. El nivel de expresión realista, que busca plasmar la realidad y transmitir información. El nivel abstracto, que se basa en la distorsión de la realidad en busca de una estética pictórica, de la transmisión de conceptos difusos… Finalmente el nivel simbólico es el más complejo y busca representar realidades y visiones desde el mundo subconsciente, de los sueños, de las visiones y la psicología.
• OBJETIVIDAD Y SUBJETIVIDAD. La objetividad hace referencia a la ausencia de interpretación de la realidad por parte del fotógrafo, a su intención de no influenciar al espectador en la transmisión de su mensaje, del contenido de la imagen. La subjetividad es la propia interpretación de un suceso, de una escena, el tratar de plasmarla desde cómo la sentimos o lo que nos transmite y busca condicionar al espectador desde un posicionamiento previo.
• SÍNTESIS Y ANÁLISIS. Sintetizar significa, resumir, saber cómo expresarse con los mínimos elementos, de una forma limpia y precisa. Es el principio del camino compositivo, el que nos prepara para poder, algún día, llegar a la maestría de enfrentarnos al caos. Analizar hace referencia a particionar, a escrutar en busca de mejoras nuestra imagen. Ambos procesos, sencillos de aplicar, nos ayudarán en el proceso de encontrar precisión.
• AMBIGUEDAD Y PRECISIÓN. En la composición y en el arte, el concepto de error no existe. Si detectamos e una imagen una duda con respecto a su realización técnica o estética utilizaremos el término ambigüedad. Todo aquello que se hace de forma intencionada se hace con precisión, nada se hizo de forma inconsciente y todo ocupa el lugar que deseamos en nuestra imagen. Una ambigüedad es una sospecha sobre una posible imprecisión en la composición.

Entre los conocimientos sobre composición avanzados se encuentra el uso de los niveles de expresión, especialmente el simbólico. Requiere de ciertos conocimientos saber expresar mensajes desde la simbología, así como para el espectador saber interpretarlos.

Hay más contenidos de estudio sobre Composición y muchos de estos conocimientos han sido muy sintetizados para ser expuestos aquí. Espero que este artículo te sirva de guía y te permita iniciarte en esta materia para que tus imágenes evolucionen y alcancen un nivel superior. Es muy importante que en tu camino de estudio y comprensión busques directamente las fuentes del conocimiento y no te detengas en interpretaciones erradas o en contenidos imprecisos.

Una de las ideas más erróneas e infundadas que existen es que la Composición Fotográfica es un conjunto de reglas sencillas de aprender y que deben seguirse siempre. Sin embargo, cuando observamos las obras de los grandes artistas del pasado y el presente nos damos cuenta de que hay algunos conceptos que se aplican con frecuencia, pero que no se encuentran atados a ninguno de ellos: crean sus obras desde la más absoluta libertad, desde el más puro precepto “Ars gratia artis”, el arte por el arte, por puro placer o necesidad de crear por parte del artista.

Otro error es pensar que es una materia muy limitada y que puede asimilarse de una forma rápida. Se trata de un conjunto de materias que nos van a permitir alcanzar un elevado impacto visual en nuestras fotografías, pero siempre desde una disciplina del aprendizaje y de una práctica y refuerzo de lo aprendido.

¿Se pueden lograr imágenes impactantes sin esfuerzo? Se puede aprender de muy diversas formas, hay quien prefiere un curso práctico, otras personas prefieren los libros, incluso se puede captar lecciones desde las imágenes, ya sean cuadros o fotografías, aunque normalmente va a requerir un proceso prolongado en el tiempo y el desarrollo de unas habilidades menos comunes.

Con respecto a las fotografías que alguien ha creado, podemos estar de acuerdo o no con el gusto de su autor por las mismas, pero no es correcto expresarse en términos como “foto buena o mala”, “error o acierto”. En el arte no existen estos conceptos, sino la coincidencia o no con el gusto del artista.

No se debe hablar de error en composición, existe un término que resulta adecuado y similar que es la ambigüedad. Este concepto hace referencia a cualquier imprecisión en la imagen que podemos atribuir al autor. Es una sospecha más que una certeza, que debe ser esclarecida solo por la persona que captó la imagen. Son detalles como pequeños elementos que parecen que no han sido incluidos o ubicados con precisión y que pensamos que han sido fruto de un descuido.

Con respecto a la terminología que se emplea en numerosos artículos y cursos debemos aclarar que algunas son impropias, redundantes, imprecisas… como vamos a mencionar en algunos ejemplos justificados.

• COMPOSICIÓN ARTÍSTICA. La composición es el orden de los elementos de la sintaxis visual en el encuadre, no solo las formas, también la distribución de los tonos, de los colores, etc, por lo que no puede decirse que sea o no artística. Su autora o autor puede tener una intencionalidad concreta para expresarse, puede querer alcanzar un determinado afán artístico, pero no es correcto decir de una composición que sea o no artística. Los mismo sucede con el concepto de composición plástica, ya que toda composición tiene una plástica o estética concreta, no es forma de calificar o categorizar las composiciones.

• COMPOSICIÓN ESTÁTICA. Es otro de esos conceptos difusos, la estaticidad en una propuesta visual no existe per se, incluso ante un lienzo en blanco nuestro ojo explorará en busca de proporcionar información al cerebro. El dinamismo siempre está presente en nuestro acto de ver, lo que se llama “persistencia de la visión”, exploramos incansablemente el entorno. Los elementos dentro de una composición pueden mostrarse con una mayor o menor estaticidad pero la obra en su globalidad no puede decirse que sea o no estática, pues el observador ya la dota de movimiento según su propia percepción y patrones de exploración.

• COMPOSICIÓN ABSTRACTA. No es una correcta forma de expresarse, ya que el concepto de “abstracta/o”  se expresa mejor desde los niveles de expresión, desde la intencionalidad de expresar la imagen desde el realismo, la abstracción o la simbología, combinada con alguno de los niveles anteriores que son excluyentes entre sí. Para comprenderlo aún mejor pensemos que la obra puede ser abstracta, que el contenido puede tener una carga abstracta, pero no la composición. Puedo componer con una silla colgada del techo y una cabeza de astronauta sobre la mesa pero si la imagen muestra la situación con nitidez y detalle será realista. También puedo fotografiar una sencilla silla de forma que a través de una ventana sucia se vea distorsionada y difusa, en este caso será una expresión abstracta.

• TIPOS DE COMPOSICIÓN. Se pueden establecer clasificaciones dentro de los diversos aspectos compositivos que hemos analizado, como por ejemplo composiciones simétricas o asimétricas, composiciones basadas en círculos o en triángulos, etc. Es decir, debemos especificar en base a qué concepto establecemos un tipo de composición, una categorización.

• EL CONCEPTO DE ERROR NO EXISTE. Si detectamos en una imagen una duda con respecto a su realización técnica o estética utilizaremos el término ambigüedad. Todo aquello que se hace de forma intencionada se hace con precisión, nada se hizo de forma inconsciente y todo ocupa el lugar que deseamos en nuestra imagen. Una ambigüedad es una sospecha sobre una posible imprecisión en la composición.

Desde el punto de vista de la estructura de la imagen podemos hablar adecuadamente de simetría y de asimetría según la ubicación de los ejes que están presentes en la imagen. También puede hablarse de equilibrio simétrico o asimétrico desde las fuerzas de expresión.

Hay algunos autores tanto clásicos como contemporáneos que han destacado por el elevado grado de impacto visual de sus imágenes. Te dejo algunos nombres clásicos para investigar en la confianza de que te aporten inspiración o ideas para trazar tu propio camino desde el origen.

• José Ortiz Echagüe. Guadalajara, 1866. Sus escenas monocromáticas son, sobre todo, costumbristas. Su obra muestra un esfuerzo permanente por el impacto estético y la expresividad. Fue un maestro exigente que sigue inspirando a muchas personas en busca de imágenes etnográficas.
• Julia Margaret Cameron. Calcuta, India, 1815. Unas de mis recomendadas desde mis inicios en retrato. Todavía me sorprende la vigencia de los gestos y expresiones de sus modelos, así como su trabajo con la luz natural.
• Karl Blossfeldt. Schiello, Alemania, 1865. Son muy conocidos sus detalles vegetales, desde un estilo muy propio de formas y agrupamientos. Artesano y artista forjador, la estética de los seres vivos se plasma desde un punto de vista más inorgánico. Resulta muy interesante estudiar tanto la forma como las repeticiones.
• Edward Sheriff Curtis. Wisconsin, EEUU, 1868. Mi admirado fotógrafo de las Naciones Indias, con una estética muy particular, el orotono, y una clara dignificación de unas etnias cuyo estilo de vida se extinguía. Curtis no es solo un excelente retratista, como paisajista con la inclusión del ser humano en las escenas resulta un maestro a estudiar.
• Edward Weston. Illinois, EEUU, 1886. Es un referente en diversas materias, suelo recomendar el estudio de su obra para comprender cómo afrontó la forma, pero también el tono.
• Ansel Adams. San Francisco, EEUU, 1902. Un fotógrafo paisajista por excelencia, maestro del blanco y negro. Ansel nos muestra un camino de esfuerzo y dedicación unida a la autocrítica, que nos ha dejado un ingente legado de conocimiento. Además de sus paisajes son muy recomendables sus recopilaciones de árboles.
• Henri Cartier-Bresson. Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908. Universal en su forma de entender el concepto de “momento”, al que se refería como “el instante decisivo”. Estética, mensaje y momento combinados en algunas de sus imágenes más memorables.

Tanto la obra como los datos que nos aportan otros artistas visuales de nuestro agrado deben ser consideradas como materia de admiración y de inspiración. Lo más valioso no es el resultado concreto que obtuvieron, sino el proceso, la búsqueda de una respuesta a una inquietud, la depuración de una idea hasta que se hace real.

Buena muestra de mi inquietud sobre la composición es que en los cursos que ofrecemos en La Casa de la Fotografía el tema siempre está presente, ya sea en los dedicados al tema como en otras disciplinas como la fotografía de paisaje, de fauna, macro o en la Formación de Jurados. Lo mismo sucede en la trilogía de libros formativos que he publicado. Además de Composición en Fotografía: El Lenguaje del Arte, que es una obra completa dedicada al tema, también encontrarás contenidos sobre composición en El Fotógrafo en la Naturaleza: Guía Completa para la Era Digital y en Fotografía de Autor: Análisis y Evaluación de la Imagen.

Mientras que en los libros se aborda el tema de manera amplia, tratando de agotar cada tema por exceso, en los cursos encontrarás una aplicación de la composición más práctica, con diversos ejemplos que refuerzan la idea.

Dada la ingente cantidad de libros que he estudiado en mi camino de aprendizaje sobre esta apasionante materia espero que me permitas clasificarlos en:

Cuadernos, libros de lecciones y obra de artistas clásicos: Leonardo Da Vinci, Giotto, Caravaggio… Los maestros de la pintura nunca te decepcionarán. Para mí ha sido una obligación primero y luego un enorme disfrute profundizar en la obra de los grandes genios de la Historia del Arte. Solo puedo recomendarte que te adentres en esta fuente de conocimiento. Como guía previa puedes utilizar el libro La historia del arte, de Ernst Gombrich.

Libros formativos sobre composición. Estos si que me han decepcionado en general. Contienen mucha información repetida, supuestamente sabida, que en realidad no siempre es fiable. No percibo en la mayoría un esfuerzo por mostrar la aplicación práctica del conocimiento, he necesitado adquirir muchos para poder extractar una información para poder ir completando el conocimiento que buscaba y plasmarlo en mis propias obras. Encontrarás una variada oferta en librerías y en comercio online, pero no puedo recomendarte más que aquellos elaborados por un formador al que conozco personalmente y que ha prologado uno de mis libros: Tom Ang.

Libros de fotógrafos contemporáneos. Son libros excelentes, muy bien editados e impresos, entre los que busco a los autores que destacan por su conocimiento compositivo, por esas lecciones que pueden leerse en sus obras. He ido recomendando algunos en la sección Favoritos de mi biblioteca, aunque te destacaré algunos.

• Bortom Redan / Beyond Order. Jän Tove. Suecia, 1958. Este es un libro que muestra el camino para ordenar el caos, la verdadera maestría en fotografía para quienes deseen explorar la profusión.
• Jag Har Sett / I Have Seen. Jan-Peter Lahall. Suecia, 1955. He tenido la suerte de tener un trato cercano con el autor de este libro, que ha sido uno de mis preferidos a lo largo de los años por su personal visión y su estética.
• The Creation. Ernst Haas, Nueva York, EEUU, 1921. Para quienes disfrutamos de la Naturaleza este discurso sobre el planeta que habitamos resulta de los más inspirador. Haas es un referente en otras disciplinas de la fotografía, siempre con un gran aporte estético que se adelanta a su tiempo.

Ya te he mencionado mi preferencia por el estudio de los clásicos, desde donde nacen las bases del conocimiento, sin embargo no debemos descartar los autores contemporáneos y sus aportaciones y matices. Sobre esto último, me permito recomendarte ser muy crítico y selectivo con las fuentes de información contemporáneas que tomarás como referencia.

De nuevo, tal y como comencé este artículo, me permito sugerirte que no bases tu conocimiento en trucos, consejos, reglas, pues tienen una breve fecha de caducidad y el riesgo de empobrecerte a largo plazo más de lo que te aportarán en la brevedad.

Es importante que busques formadores con una trayectoria, con experiencia en diversos aspectos formativos, orales, visuales, combinados… Algunos formadores han llegado a ser referentes internacionales, con proyección fuera de nuestras fronteras. Por tanto han podido observar el estado evolutivo y el desarrollo de miles de personas y de diversas culturas, lo que pone a prueba y enriquece sus conocimientos.

Además, quiero destacarte la importancia de aprender con orden, con un método. Esta forma de organizar y estructurar el conocimiento nos permitirá identificar en dónde nos ubicamos y hacia qué lugar nos encaminamos. Se puede aprender sin orden, pero puede ser más adecuado aprender conforme vamos necesitando ir subiendo al siguiente peldaño, construir desde la base hacia arriba.

Es por todo esto que me atrevo a recomendarte los cursos de La Casa de la Fotografía. Dedicados exclusivamente al tema, encontrarás 3 cursos de composición que siguen un método lógico de aprendizaje desde los elementos o las fuerzas de expresión hasta los responsables más directos del impacto visual.

En ellos podrás profundizar todo lo que hemos hablado en este extenso post, y abrir la puerta a nuevos conocimientos que, por espacio, acá no fueron tratados. Puedes acceder a ellos como cursos individuales, o a través de un pack que significará un ahorro interesante en tu inversión.

Aunque los contenidos más extensos se encuentran agrupados en los cursos de composición, en todas las disciplinas fotográficas (fauna, paisaje, macro, Formación de Jurados, etc) hay un apartado específico que pretende mostrar la aplicación práctica y fomentar la inspiración en busca de nuevas estéticas y una mayor creatividad.

Con la Suscripción Anual podrás tener acceso por un año a todos los cursos actuales y futuros que vayamos incorporando durante el tiempo que dure tu acceso. Además, tendrás acceso a sesiones de repaso, soporte real a tus preguntas y acceso a Webinar con contenidos complementarios a los ya existentes en cada curso.

Espero que tu vida fotográfica sea muy enriquecedora, te proporcione magníficas vivencias y te traiga a grandes personas por conocer. No olvides que el asociacionismo permite estar en contacto con personas con las mismas inquietudes y la posibilidad de ayudar a los demás.

Hay personas que desean aprender de forma rápida y despreocupada para poder hacer fotos de forma muy eventual y que pueden encontrar formación desde muchas fuentes para su grado de exigencia. Diferente es el caso de fotógrafas y fotógrafos de largo recorrido, que van a viajar con su cámara, mostrar sus imágenes y esforzarse por avanzar en su desarrollo. Algunas de estas personas llegarán a participar en algunos certámenes, exhibirán sus obras en exposiciones o incluso llegarán a formar a otras con su misma inquietud. En este caso la elección del método de aprendizaje resultará esencial.